Category: REVIEW

【樂評】給我十首歌的時間，在絕望與奮鬥之間－Stranded Whale《The Revival》

社會的不堪與矛盾越觸目，越是龐大得難以撼動，站在分叉路口－－奮力一搏，抑或麻木放棄？《The Revival》在尚未抉擇之際，用十首歌的時間，疏理活在此時此刻，每個人總會碰上的愛憎喜惡。

與第一張《Northern Tower》清新木結他民謠豎立的望遠高塔不一樣，用Stranded Whale自己的話，這張《The Revival》「由清新原音轉向更沉重幽怨的方向」。除卻加重失真的電結他、迷幻合成器，以及沉鬱的編曲方向，歌曲也不再單是殺人鯨渴望自由的頌歌。

開首〈Why Don’t You〉盡情嘲弄消費一切卻又偽善的社會。無情地對陌生人幸災樂禍、嚼著肉食卻為另一些動物傷心難過……要在剝削與過剩的世界中生存自保，每一個人都難保清白，那不如主動投降？「So take my money, take my clothes/ And take my stories, take my soul」，只是曖昧的結他介乎明亮與冰冷，撅著嘴冷笑一聲，提醒滿手鮮血的兇手們，「記得洗手」。

如此絕望，但又夾雜著嘲弄和反抗的調子，隱身於流麗編曲，貫穿整張專輯。〈Fees like, midnight〉有舒爽的鋼琴，與澄明的日系節奏，但那溫暖卻幽幽的男聲合唱著簡煉短促的歌詞，兩難的拉扯著；緊接著〈Dies In A Room〉向上天找尋意義「Finding meanings right above the sky」，但無助之間在低音部不斷下探絕望，世界沒救了似的急轉直下、不斷出錯的失速片段，拼貼成一道沒法拆解的人生，最後緩緩的結他回頭一瞥，似在問「絕望又如何」？

繼續在泥沼中爬行而不能自拔的〈Someday〉，樂器尚未現身，先傳來微弱的嘯嘯，耳窩剛感受到空氣震動，遠方的鼓聲已直搗耳窩，再發展到合成器有如警報般的末日感襲來，每次一聽都起雞皮疙瘩。

專輯半路中途，我好幾次被Stranded Whale催眠似的分不清〈Hypnos〉、〈Blackhole〉和〈Grey〉。如果無力感有形象，大概不會是暴烈粗獷的搖滾，也不是直率的民謠，而是像這三首連成一氣的歌，在昏暗的宇宙中打轉。「She was there to see/ Waiting to be impetuous/ Thought it would come/ But no」，行動力就這樣日復日的磨蝕下去，不見天日。

Stranded Whale在《The Revival》不再靠民謠易記柔軟的旋律來捕獲人心，反而精巧的控制節奏與氣氛。在接近九分鐘的〈Grey〉，加入Cicada的優雅弦樂，卻隱隱聽到Pink Floyd式搖滾史詩的影響。結尾淒美的鋼琴下，融合並改寫了舊歌〈Interstellar〉一句歌詞「Better stay away from the pain of the world/ Never let the grey disappoint you」，專輯不斷加深的絕望黑暗，也淡化成灰色調子，稍見澄明。

之後輕巧甜膩得叫人驚訝的〈Nobody’s Fault〉，卻在恰好安慰了前面那顆絕望又困惑的心，溫婉的男女合唱，距離紛紛擾擾的結他遠遠的，劫後餘生，反覆唸唱著「It was nobody’s fault/But I feel sorry for you」。

十首歌的時間，與現世一樣難以祈求大團圓結局。但最後一曲〈Politcally Correct〉似是Stranded Whale專門寫成的人生說明書，點出了我們吶喊或自暴自棄，對我們最痛恨的人來說，不痛不癢，「Kings and Queens/ Will not be coming to the party drinking/ Greens and Blues/ They are just darkness in the shadows/ Like We do」溫熱而不盲目熱血的結他與穩步前行的節奏，不單成了全碟最適合大合唱的曲目，也穩穩接住了這厭世又不甘心的世代心情。

文：Practical Dinosaur

November 16, 2018
【樂評】詩意濾鏡，擋不住per se的原始能量：《ends》

per se用「詩式流行」定義自己的風格，而這張新作《ends》，不論Sandy與Stephen的形象，到視覺設計的泛白過曝色調，在在為這雙人組的流行樂裹了一層溫柔鬆軟的外殼，或許是「詩意」最直白的呈現。

點開唱片，以一首歡快飛揚的〈Winter Song〉破題。四季循環是不變定律，看似永無止境的冰冷冬日，亦代表春天不遠了。正如專輯主題雖是「結束」，每首歌對應一種終結－－友情、家庭、愛情與生命，但結束亦是新的開始。填滿弦樂、鋼琴加上男女對唱，表面上是溫暖人心的晚安詩，但再聽下去，整張專輯難掩一股潛藏的原始能量。

〈親愛的幽靈〉開初狂射而來的密集鼓聲，纏著鋼琴、弦樂與詭譎聲效向前推進，急停靜下稍稍喘息，又再捲土重來，把被動的觀眾捲進旋渦，狂風掃落葉的急躁節奏，我倒是覺得更傾向金屬樂的噴發。

緊接的〈逝水如斯〉，淡然又克制鋪開流逝的青春，輕彈著木結他與低音結他看似只是淙淙流水，最終仍是匯合融海洋，加大音量與電結他的沙啞結合，翻滾成巨浪。

per se在上張專輯《Conundrum》外放的搖滾狂飆，最後轉向後搖滾的巨大轟鳴，已把這股能量展露無遺。這次更多層次的聲效，精緻與克制的編曲，又加入純樂器段落〈Anonymous Symphony〉和〈wander across the…〉，有如暴風雨前夕，讓稍後的爆發更震撼。

泛白過曝，一如那些日系照片濾鏡，隨便套用便可迎合當下流行的審美；正如流行音樂總是有擺弄操控的嫌疑，但我總是想當然的認為，沒有一件事物能夠偽裝得滴水不漏。創作人能量與個性，總是有些蛛絲螞跡。

June 10, 2018
【樂評】少年維特的自省－－Tomii Chan《Not A Good Day To Die》
編按：Tomii Chan最近發表第二張專輯《Not A Good Day To Die》，可在Band Camp試聽及購買。他亦將於6月23日舉行一場發佈音樂會，選址新場地Holandfree。這張新專輯除了十四首新歌，更包括一篇Liner Notes作導賞，Glass Onion獲准轉載。

第一張專輯《Arrays》穿梭各種曲風與聲效的音樂實驗，Tomii Chan短短半年後完成了《Not A Good Day To Die》。他這回不再是那自信滿滿，誓要找出宇宙真理的科學家，反過來挖掘內心深處的疑惑，透過更純粹與本質的民謠與藍調，展開一場自我對話。

雖然十四首歌主題紛雜，卻藏不住背後那位無法停止思考的疑惑少年。開場曲〈Just Because〉簡樸清新的木結他旋律，主人翁一邊唱著本應不需理由的「我愛你」，突然卻插進不斷下降的低音部，步步進迫，急著為戀愛的無理性辯解－－「我愛你只是因為……」。

理智與感性的拉扯反覆出現，〈Today〉中急迫混亂的結他，直覺隱隱知道將有什麼事要發生，「No one can survive」，卻又煩心於說不出所以然來。少年天性敏感，貪婪地觀察身邊事物，無法自控的竭力歸納箇中邏輯，屢敗屢戰。偏偏人心更難捉摸，〈Imagery of You〉溫柔的唱著傷害過的那位束馬尾、穿長裙戀人，難掩眷戀但礙於自責又裹足不前。

即使是不論結構與演奏，都肯定屬於藍調的〈Hey〉、〈The Eighth Day〉與〈Daisy〉，Tomii的演唱冷靜沉著，缺少藍調傳統中那份張狂。與歌詞中自誇個人魅力、殺掉出軌女友的狂妄情節恰恰相反，似是自我壓抑已久的情緒大反彈。

整張專輯最迷人之處，是克制運用各種配器與音效，交錯於辯證的自我對話。〈Angel〉找來樂隊Life Was All Silence結他手Jay Tse合作，而敲擊節奏刻意置於前方，平穩直搗耳窩，確實得像歌中少年看見的「路標」、「打開的門」。可即便清楚向前走便是出路，偏偏和音與電結他合成的幽靈纏繞著他，勾起心底「When we are all in a game」的警覺。

同是界乎於得救與沉溺的〈Simplicity〉，一問一答的不止歌詞，還有鋼琴與結他，少年故作輕鬆引領話題走向，刻意使力偏偏帶來反作用力，距目標越來越遠。突兀的變速是下定決心，是與其執著抵達終點，不如踮起腳尖四處遊蕩，任由命運領航，「How things won’t go the way we want」。

來自香港的少年維特，一方面感傷人生，但又著力保持自覺，不斷質疑，甚至推翻自我，在節奏急促的世界開闢這三十七分鐘的自省角落。結尾曲〈Don’t Let A Good Thing Goes By〉與〈You Can Do Anything You Want〉用輕省和弦來率性總結，深深的疑惑無法逃避，卻毋須浪漫化－－「A Simple song / why make it difficult」；但經過認真思考的人生更值得活，至少他見過那些無解痛苦的模樣－－「No, it’s okay / I know how it feels / When the rain keeps falling down」。

文：Practical Dinosaur
（原刊於《Not A Good Day To Die》專輯。）
```
Tomii Chan的鄉謠音樂會——Not A Good Day To Die Live! 
日期：23/6/2018
地點：Holandfree（葵涌華達工業中心B座15樓6室）
時間：8pm開放進場；8:30pm開演
特別嘉賓：Lenny x June
票價：$110預售、$130即場
活動專頁／購票方法：https://www.facebook.com/events/210216716424457/
```
June 3, 2018
【樂評】乘著Tjoe的爵士結他，一趟無負擔的倫敦旅程：《FLOW LONDON》

Tjoe （圖：音樂人Facebook）

文：Chameleon

第一次認識Tjoe (讀Tee-Joe，好似係)，係零零年代佢擔任結他手嘅樂隊「PickPak掣」。樂隊明顯受廣東歌影響，但係整體嘅Soundscape並唔係普通「K歌」，無論係伴奏吉他定主音結他，都展現出好強嘅原創性。當時Tjoe 係比較技術型同實驗型嘅樂手，鍾意喺現場表演好playful咁加插一啲古怪嘅effects。

《FLOW LONDON

不過，當年PikPak掣用jazz加bossa nova形式玩pop，主音角色亦較重，Tjoe可能未必咁有發揮。直到差不多十年後，Tjoe響2014年喺香港錄咗《FLOW》EP，到2016年喺倫敦遊歷期間，同當地遇到嘅音樂人一齊合作錄咗《FLOW LONDON》，全碟十首歌更加focus喺instrumental，特別注重唔同樂器嘅交流。

《FLOW LONDON》第一首歌〈Walking In The Rain〉一嚟已經二話不說，拋個好似水流般暢順嘅旋律，好似呼應緊呢隻碟嘅名「FLOW」（流動）咁。通常行路落雨都已經好狼狽，但係Tjoe嘅呢首歌，好似好瀟灑咁享受落雨嘅街道。電結他同Fender Rhodes電子琴一齊彈奏句licks時就好似一對戀人係街上面跳舞咁，浪漫得來又唔造作。

成首歌有好大部份係即興演奏，響現代嘅錄音比較少見，因為好多時候就算係爵士專輯，都鍾意預先編好晒，就算有即興，都可能喺一分鐘內搞掂。Tjoe呢首歌就差唔多超過一半部分都係即興（仲有drum solo，好耐未試過聽studio album有drum solo），可見佢都想將現場演出嘅真實感帶俾聽眾。

〈The Music Never Stopped〉雖然基礎都係以爵士樂為主，但係其實同上一首〈Walking In The Rain〉一樣都非常易入口。從前奏簡約得嚟又對稱嘅旋律，可以睇得出Tjoe亦都係一個出色嘅melody writer。

不過呢首歌都聽得出佢駕馭到空心電結他（應該係）嘅獨特音色，每一個音都處理得輕盈之餘，亦都無犧牲到獨奏嘅活力。大碟上面嘅小號手都配合咗結他嗰種平實嘅感覺，只係運用咗極少嘅sliding同bending。去到首歌嘅後半部，bass solo將原有嘅節奏稍為輕輕打破，然後好小心翼翼咁將結他同小號建立嘅節奏重新整理一下，等首歌可以去返開頭嘅平靜，大團圓結局。

Tjoe （圖：音樂人Facebook）

〈N5 To Edgware〉應該係取名自倫敦巴士N5去埃奇韋爾。呢首歌展現到Tjoe喺結他獨奏方面嘅活力，靈活流暢嘅技術顯示咗佢受Gypsy Jazz影響之餘，都展露咗佢調皮玩嘢嘅一面，中間不忘加插如〈Für Elise〉（給愛麗絲）等熟悉嘅旋律。不過筆者覺得歌曲後半段以合成器獨奏為完結好似有啲未完成嘅感覺，總係覺得首歌後半段可以有更強嘅dynamic change。

〈Four Seasons〉喺樂器運用上幾有驚喜，古古惑惑嘅bass前奏，加埋突如其來嘅小提琴之間嘅化學作用，好吸引聽眾幻想之後會發生嘅事。之後嘅結他獨奏反而變得頗斯文，仲以為會專登乘機玩弄觀眾嘅耳朵，倒亂原有嘅節奏添。

直到後段鼓手變成主導氣氛嘅角色，成首歌嘅力量慢慢推向高峰，小提琴同結他終於加入一齊幫手將首歌帶去混亂又陌生嘅領域，好似睇緊驚險嘅冒險小說嘅第一頁咁，突然間！首歌完咗，大家又回到寂靜嘅現實世界。

〈Miss Someone You Don’t Know〉作為呢隻EP嘅結尾歌真係好適合，亦都係筆者最鍾意嘅一首歌。好似中樂咁處理簡約嘅旋律，亦唔覺得矯揉造作，令筆者諗起香港另外一位爵士結他手崔展鴻的彈奏方法。小心翼翼嘅結他配上優雅嘅小提琴，彷彿為首歌帶黎一層飄飄然嘅霧氣一樣。而Bass solo就好似一段非語言嘅獨白，為呢隻5首歌嘅EP畫上句號。

如果你係一個平時都鍾意聽easy-listening嘅純音樂的話，Tjoe呢隻《FLOW LONDON》係好好嘅選擇。抽象嘅音符不時令觀眾幻想到唔同嘅景象；編曲方式比較似樂隊現場嘅做法，非常簡單直接，而旋律令人印象深刻，筆者甚至覺得，流行樂成份多過爵士樂。雖然專輯製作方面未能夠完全呈現Tjoe現場演奏嘅力量，但係就係咁，大家先要多啲去睇佢live呀嘛。

April 16, 2017
【樂評】more reverb對著空氣揮拳亂踢的《Lay Down and Mosh》

more reverb《Lay down and mosh》
文：Un-hedgehog

「淡淡漸濃淡淡濃特濃
淺凹凹凸凹凸凸深凹」

有如樂隊Facebook專頁上的形容，more reverb的首張專輯《Lay down and mosh》，確是充滿了「相對」的概念。這也是一張充滿情緒起伏、偶而有著令人耳目一新的點子，接近普遍聽眾對Post Rock的認知，與大量使用電結他的專輯，但在錄音、混音以至編曲則有不少令人失望之處。

如果將樂隊的嘗試比喻為「一陣拳打腳踢」，這些拳掌卻像是打向空氣，站在對面的人偶然感受到拳風，但也是漫無目的、不癢不痛，只看得出拳者的肉緊而不能切身感受之。因在錄音、混音，以至最見仁見智的編曲上的不少決定，均令筆者疑惑，《Lay Down and Mosh》並不算是一張特別出色的專輯。

不過，歌曲留下的空間，以及聲音在聽者腦海留下的印象，某程度上也代表了樂隊未來還有可探索，以至進步的空間。

 Track 1: Prequel

這是我整張碟之中最鐘意的作品。

單用一把聽起來距離很近的木結他，配以隱約的環境聲音效果，一幫小朋友嬉戲的聲浪，讓人有足夠的想像及吸收空間，緊接著下一首歌以drums tom groove以及swelling電結他構成的前奏，突然而不突兀的完結，也是吸引人之處。

Track 2: Sailors

我認為這是整張專輯中結構最複雜的一首歌。  前奏的tom groove富節奏感，當中偶爾出現的wood/drums hoop & rim（就是敲打小鼓邊緣的）聲音，也有助提昇層次。  歌曲陸續發展帶來不同的段落。音符及節奏（例如是小鼓及 Hi Hat的引入）變得密集時，整隊樂隊的演奏聽上去十分鬆散。我相信，如這裡配以緊湊的演奏會更適合，或者更直接的說，會更為「爽皮」。

但在混音方面，Cymbals（鈸）第一次出現的時候，音色乾身及較大的音量令它有很強的存在感，本來我以爲這會是混音上的方向，但緊接著結他riff主導的段落，不論音量層面抑或樂器層次上，cymbals卻被放在很後的位置，混音重點／方向的不一致，令我聽上去感到迷失。

另外，電結他於距離上的placement，及錄音也可以做得更好。比如說在歌曲較後，帶disco感覺的段落中，電結他爬上了higher register時，在耳機聽起來有點刺痛感覺。不遠不近的電結他placement（特別在獨奏的段落）也令人覺得尷尬，繼而覺得冗長及乏味。  包括此曲在內，整張專輯的low end（中低音也包括低音）也充滿著包覆感，令歌曲的混音聽上去十分混濁，未知是否樂隊刻意營造。

  Track 3: 推呀浪花

本曲最大特色是人聲的運用，但我認為這也成了這首歌最敗筆的地方。  從來沒有人說唱歌一定要有絕對或相對的音準，即使是五音不全的聲音，運用恰當也可成為音樂一部分，但這需要經過不少的decisions making，以及後製上的幫助。  此曲的人聲配上一款明顯但短促的reverb，以及較大的compression，感覺上把聲音壓扁了。

特別在前段很大部分，人聲均與其ambient及疏落的音樂底形成衝突，結果是是突出了lead vocal的presence。加上錄音咪的選擇－－一支condensor microphone，近乎鉅細靡遺地紀錄了這副透澈仔細（既是指人聲的嗓音特質，也是指演繹者所選擇的唱腔），而又缺乏音準的聲音，令聽者一切的注意力也集中在其身上－－特別是飄高音的時候。歌詞每每與「印象」與「有關平靜的描述」相關。不敢猜測唱者選擇這演繹訊息的手法的動機，但聽歌曲時因著其放任、奔放的唱腔所得到的意象，與獨立看歌詞所得到的訊息構成了衝突，這處也令筆者費解。  一連串令人懷疑的decision making－－人聲的演繹方式、reverb類型及其程度、混音與錄音設定等聲音處理之下，我分不清楚這介乎走音與scream的演繹，用意為何，我是覺得挺難承受的。

Track 4: One Man

充滿空間感的起伏，經過中間一段近乎寧靜的段落，廷伸至最後以cymbals為主的爆裂與廣闊的樂段。明顯聽到合成器的運用，特別在最後「左飛右飛」的聲音確實點綴了歌曲。以crash為主的drum groove及開揚感令我想起上一track〈One Man〉。  然而包覆感仍在，在音量較細的時候，辨識不同的texture與樂器特色即變得有點困難。

Track 5: The Sky Is Full of Petals  

兩層鋼琴配以一層重度reverse感覺的聲效頗有趣。Melodic而精簡的主旋律令人聽上得愜意，歌曲發展下去，也出現合成器作為secondary melody，豐富程度剛好。  但由前段開始，歌曲選用了一種聽上去是來自合成器的，不太自然的低音，那一陣一陣漸大又兀然而止的低音，幾乎獨佔了歌曲的低頻部份，甚至蓋過了其他樂器的texture及存在感，此選擇令人有點疑惑。

Track 6: 寂寞島嶼

鋼琴再次出現，但tone上又帶點不同，有電子鋼琴感覺的聲音實在是個不錯的開場，容易引人入勝。及後非常driven的rhytm section，令人有點意想不到之餘也挺痛快，但在full band各種樂器也各分千秋之下，要辨認電子琴聲變得像是大海撈針，縱然你知道它一定在海裡，歌曲中也只能依稀感覺到它的存在。

Track 7: Lay Down and Mosh

平順而又帶有隱性情緒變動的一首歌曲，如果要為全碟七首歌排名次的話，我會把這首歌排在第二位，僅在〈Prequel〉之後。  運用鐵片琴與彈奏長和弦為主的鋼琴，為歌曲加入恰好的空懸感，再來strings聲底的pad聲音、一支ambient電結他，以及逐漸出現的鼓聲，像在慢慢爬上一個微斜的長山坡。  但本曲一個較明顯的問題，是snare的角色不明顯及存在感很低，「要搵佢係邊」。

結語

我想一張好專輯並不一定需要大鑼大鼓，請一隊七十人的管弦樂團來為作品back up。一堆「點子」以及製作過程中隨遇而安的意外，加起來已經是專輯獨有的I.D.。

作為一隊成分豐富，以post rock作旗幟的樂隊，more reverb在首張專輯，即展現了他們運用樂器以及為其他人留下印象上的嘗試。

延伸閱讀：【專訪】念念不忘，必有Reverb：more reverb那張幾經波折的處女作

March 27, 2017
竇靖童的新碟聽上去怎麼樣？

特約作者：Chameleon

年僅19歲的Leah Dou竇靖童，除了是Clockenflap 2015主台最年輕的表演單位之餘，2016年四月推出的首張專輯《Stone Café》，亦絕對令人耳目一新。她與製作人The Invisible Men、Heather Porcaro及 Alec Dixon，將全碟歌曲的樂器巧妙且靈活地融合，配上竇靖童尚有點幼嫩卻反叛的歌聲，把synthpop和new wave像迷幻藥般注入聽眾的耳朵。

竇靖童於Clockenflap演出（Youtube截圖）

開場曲〈My Days〉裡乾澀的合成器聲音對比心跳般的節奏，到Pre-Chorus流暢地從B小調轉到A大調，再引領大家進入充滿活力的副歌，彷彿是推開門後突然散射的曙光一樣。

雖然文案仔細地詮釋了每首歌的主題，但從〈Waiting On Gregory〉和〈Lola〉充滿似是而非隱喻的歌詞看來，反而更像內心複雜而常變的掙扎。即使內容圍繞「你與我」的關係，但加上反應遲鈍的歌詞phrasing，不禁令人懷疑「你」都只是主角幻想出來的人物。

整張專輯最突出的作品則非〈May Rain〉莫屬。輕快入腦的旋律，pre-chorus也用上像〈My Days〉一樣順暢的轉調，再引入易記又易唱的副歌，實在是樂迷大合唱的必然選擇。但爽快的節奏背後，卻是跟情人離別時「裝作豁達」的心情。畢竟我們每次說「I don’t care」時，內心還是很care的。

整體而言，Leah在第一張專輯的表現是令人興奮的。不論作曲、編曲抑或唱腔，都已找到屬於她的聲音，合成器聲效的運用亦尤其突出。〈May Rain〉亦聽得出用上double vocal track，令人聲更飽滿，也突出旋律。值得一提的是她的腔調，特別是滑音，亦帶有王菲的影子。不過，筆者覺得大部份歌曲的混音稍為欠缺層次，仍有很多改進空間：如〈May Rain〉和〈Drive〉的鼓聲，空間感稍弱，令筆者和朋友起初還以為是MIDI鼓聲……直到看到credit list才知道是真鼓；〈Bittersweet〉的編曲如多點起伏變化更佳。

P.S. 筆者聽的是數碼版本，故後來才發現最後一首歌〈Blue Flamingo〉原來是首hidden track 。隱藏歌曲的概念在數碼世界好像已經行不通……

July 9, 2016
《下女誘罪》內的章魚妙用原來是向「他」致敬

以下文章含嚴重劇透，如看畢本文後影響了閣下的觀賞體驗，本網概不負責。

圖片來源：Variety

睽違七年，朴贊郁終於從荷里活歸來，帶著《下女誘罪》（The Handmaiden）（下稱《下》）再次闖進了康城影展競賽單元。香港的上映日期幸運地與韓國幾乎同步，不少影迷這幾天已先睹為快，電影亦獲得不俗的評價。三段式敍事結構、對男權主義毫不留情的踐踏、熟悉的朴導式惡趣味⋯都不是本文的討論重點。

《下》中飾演下女南淑姬的金泰梨。（圖片來源：Leica）

本文的重點是《下》中最獵奇的一幕 — 朴導向世人展示了章魚的另類妙用⋯你懂的。

《原罪犯》（Old Boy）同樣有八爪魚先生的出現，不要玩食物呀朴導⋯ （圖片來源：YouTube）

影迷如我也許永遠不明白朴導對章魚的熱愛（假設你有看過《原罪犯》的話），但原來片中的另類「章魚放題」是源自一幅名畫。

《章魚與海女》，出自1814年出版的艷本《喜能會之故真通》。（圖片來源：維基百科）

片中多次閃過的章魚與女子交媾的畫作，揭示了貴族上月老爺的變態性僻。這幅畫源自日本江戶時代著名的一幅浮世繪，它的名字叫《章魚與海女》（日語：たことあま Tako to ama）。

In case你不知甚麼是浮世繪，來看看下圖：

最廣為人知的浮世繪—葛飾北齋的「富嶽三十六景．神奈川沖浪裏」（網絡圖片）

很眼熟吧？浮世繪是17世紀日本的一種繪畫形式，主要描繪世間風情。而《章魚與海女》正正是浮世繪的代表人物葛飾北齋的最後的名作，出自1814年著名春宮畫集《喜能會之故真通》。沒錯，就是畫上圖的那名日本小哥，一個影響著歐亞多個畫派的知名日本浮世繪大師。《章魚與海女》中，章魚一邊用觸手撫摸海女的乳頭，一邊吸吮海女的私處。人獸交歡的背後，附有一段極奇露骨、章魚和海女的情慾對話。（有空自行google一下吧⋯）有指畫作啟蒙自江戶時代的玉取姫的故事、好些西方評論家則認為這是強姦場景。

但《章魚與海女》真實涵義，可能要看以下這部電影才能理解。

1981年的《北齋漫畫》（圖片來源：維基百科）

1981年的《北齋漫畫》由新藤兼人監督，緒形拳、西田敏行等人主演，講述葛飾北齋的藝術創作生涯，到底葛飾是如何迷上春宮畫、又如何畫出《富嶽三十六景》及最後的名作《章魚與海女》。

事實上，很多浮世繪畫作，也喜用章魚撫摸裸女的情節。有日本性文化研究專家認為，浮世繪的春宮畫盡顯男權至上、暴虐的色彩。而畫中男性陽具常以別的東西替代：動物、刀、巨棒等。（章魚表示：真是躺著也中槍呀⋯）女性多屬被施虐的對象，各種綑綁、強姦都是常見的主題。

This slideshow requires JavaScript.

是不是突然覺得，《下女誘罪》內的章魚，變得十分順理成章，而朴贊郁，比起日本人，一點也不變態呢⋯

圖片來源：Hollywood News

參考：知乎、VIDAORANGE

July 3, 2016
五首The Beatles（或許是）最差的作品

特約作者：Chameleon

如果說The Beatles是近百年最偉大的樂隊，相信沒有什麼人會反對。〈I Want To Hold Your Hand〉、〈A Day In The Life〉、〈Hey Jude〉…….每首都是樂迷反覆聆聽上百次的經典作品。

但是即使作為忠實歌迷，你又有沒有經常跳過不聽的作品呢？

筆者在披頭四眾多作品之中，精心挑選了五首最不受歡迎的作品，大家看看同不同意，或當中有沒有自己最喜歡的歌曲。

圖片來源：互聯網

第五位：〈Blue Jay Ray〉（出自《Magical Mystery Tour》）
這首由結他手George Harrison作曲，當時的他非常熱愛印度宗教和哲學，所以很多作品都受印度樂影響，而〈Blue Jay Ray〉就是其中一首。《Magical Mystery Tour》專輯的創作迷幻及富實驗性。從這首歌明顯聽到很多奇怪聲音，例如是倒播的錄音和經過Leslie Speaker的歌聲。但是過多的奇特效果令到歌曲令人非常煩厭，加上不斷重複「Please don’t be long」，亦令歌曲變得沉悶。

值得一提的是，美國連環殺手Charles Manson也曾經引用〈Blue Jay Ray〉的歌詞鼓動集體謀。

第四位：〈It’s All Too Much〉（出自《Yellow Submarine》）
這一首也是由George Harrison作曲（不是針對他的…….）。以強勁的失真電結他作為主軸，開首的feedback確實有點Jimi Hendrix感覺，本身感覺良好，但當密集鼓聲加上feedback的結他，又被低音結他朦朧的嗚嗚聲不斷轟炸耳朵，令人不禁看一看歌曲還剩多久。天啊才過了三分鐘…….好吧繼續捱下去，偶然也會有一些小號和不合理的敲擊樂。最後人聲會像抗議一樣不斷重複「Too much! Too much!」直到fade out。聽後我都想說，「It’s all too much」。

第三位：〈Dig it〉（出自《Let It Be》）
這首只有五十秒的歌曲，是披頭四在錄音室即興演奏出來的作品，也是一首對Bob Dylan名曲〈Like A Rolling Stone〉的二次創作：

Like a rolling stone
Like a rolling stone
Ah like a rolling stone
Like the FBI and the CIA
And the BBC, BB King
And Doris Day
Matt Busby
Dig it, dig it, dig it
Dig it, dig it, dig it, dig it, dig it, dig it, dig it, dig it

歌詞就是這樣了，「BBC」、「B.B. King」等詞彙，除了都以BB兩個字母開首之外，完全沒有什麼意思可言，確實是Beatles最「無厘頭」之作。雖然〈Dig It〉在專輯的版本只有短短五十秒，但原版其實接近十五分鐘。主唱Paul McCartney當時六歲大的女兒Heather McCartney也有「獻唱」，有興趣的歌迷可以欣賞一下延長版：

第二位：〈 Wild Honey Pie〉（出自《The White Album》）
〈Wild Honey Pie〉所有的樂器和歌聲都由Paul McCartney一手包辦。因為當時John和Ringo忙著製作《The White Album》的其他歌曲，而George則在放假。雖然說是一首爛歌，但是其實筆者聽了很多次都察覺不到哪一把聲音屬於Paul McCartney，所以對於Beatles來說這也是一種突破…….

如果你是一位歌手，然後走進錄音室唱〈Wild Honey Pie〉，大概監製會把你踢出門口。

在YouTube上只找到這個非常騎呢的翻唱版本，我究竟看了什麼……

第一位：〈Revolution 9 〉（出自《The White Album》）
這首長達八分鐘的聲音拼貼，是John Lennon在前衛音樂的一個嘗試。自從John認識當時的女友，先鋒藝術家Yoko Ono後，便對實驗音樂產生濃厚興趣。

這首作品拼貼了一把不斷重複「number 9」的男聲，疊上一堆倒播的古典樂、John Lennon說話等隨機而無特別關係的聲音。他自己形容〈Revolution 9〉為一幅「無意識的圖畫」。但對於大部分樂迷來說，這首可能是《The White Album》專輯中，最常跳過的曲目。畢竟時間寶貴，沒有很多人能夠忍受這首披頭四最長的官方作品。

雖然對筆者來說沒有什麼分別，但網上也有樂迷喜歡把〈Revolution 9〉倒播，也許陰謀論者會在當中找到驚世啟示：

June 9, 2016