「淡淡漸濃淡淡濃特濃
淺凹凹凸凹凸凸深凹」
有如樂隊Facebook專頁上的形容，more reverb的首張專輯《Lay down and mosh》，確是充滿了「相對」的概念。這也是一張充滿情緒起伏、偶而有著令人耳目一新的點子，接近普遍聽眾對Post Rock的認知，與大量使用電結他的專輯，但在錄音、混音以至編曲則有不少令人失望之處。
如果將樂隊的嘗試比喻為「一陣拳打腳踢」，這些拳掌卻像是打向空氣，站在對面的人偶然感受到拳風，但也是漫無目的、不癢不痛，只看得出拳者的肉緊而不能切身感受之。因在錄音、混音，以至最見仁見智的編曲上的不少決定，均令筆者疑惑，《Lay Down and Mosh》並不算是一張特別出色的專輯。
不過，歌曲留下的空間，以及聲音在聽者腦海留下的印象，某程度上也代表了樂隊未來還有可探索，以至進步的空間。
Track 1: Prequel
這是我整張碟之中最鐘意的作品。
單用一把聽起來距離很近的木結他，配以隱約的環境聲音效果，一幫小朋友嬉戲的聲浪，讓人有足夠的想像及吸收空間，緊接著下一首歌以drums tom groove以及swelling電結他構成的前奏，突然而不突兀的完結，也是吸引人之處。
Track 2: Sailors
我認為這是整張專輯中結構最複雜的一首歌。 前奏的tom groove富節奏感，當中偶爾出現的wood/drums hoop & rim（就是敲打小鼓邊緣的）聲音，也有助提昇層次。 歌曲陸續發展帶來不同的段落。音符及節奏（例如是小鼓及 Hi Hat的引入）變得密集時，整隊樂隊的演奏聽上去十分鬆散。我相信，如這裡配以緊湊的演奏會更適合，或者更直接的說，會更為「爽皮」。
但在混音方面，Cymbals（鈸）第一次出現的時候，音色乾身及較大的音量令它有很強的存在感，本來我以爲這會是混音上的方向，但緊接著結他riff主導的段落，不論音量層面抑或樂器層次上，cymbals卻被放在很後的位置，混音重點／方向的不一致，令我聽上去感到迷失。
另外，電結他於距離上的placement，及錄音也可以做得更好。比如說在歌曲較後，帶disco感覺的段落中，電結他爬上了higher register時，在耳機聽起來有點刺痛感覺。不遠不近的電結他placement（特別在獨奏的段落）也令人覺得尷尬，繼而覺得冗長及乏味。 包括此曲在內，整張專輯的low end（中低音也包括低音）也充滿著包覆感，令歌曲的混音聽上去十分混濁，未知是否樂隊刻意營造。
Track 3: 推呀浪花
本曲最大特色是人聲的運用，但我認為這也成了這首歌最敗筆的地方。 從來沒有人說唱歌一定要有絕對或相對的音準，即使是五音不全的聲音，運用恰當也可成為音樂一部分，但這需要經過不少的decisions making，以及後製上的幫助。 此曲的人聲配上一款明顯但短促的reverb，以及較大的compression，感覺上把聲音壓扁了。
特別在前段很大部分，人聲均與其ambient及疏落的音樂底形成衝突，結果是是突出了lead vocal的presence。加上錄音咪的選擇－－一支condensor microphone，近乎鉅細靡遺地紀錄了這副透澈仔細（既是指人聲的嗓音特質，也是指演繹者所選擇的唱腔），而又缺乏音準的聲音，令聽者一切的注意力也集中在其身上－－特別是飄高音的時候。歌詞每每與「印象」與「有關平靜的描述」相關。不敢猜測唱者選擇這演繹訊息的手法的動機，但聽歌曲時因著其放任、奔放的唱腔所得到的意象，與獨立看歌詞所得到的訊息構成了衝突，這處也令筆者費解。 一連串令人懷疑的decision making－－人聲的演繹方式、reverb類型及其程度、混音與錄音設定等聲音處理之下，我分不清楚這介乎走音與scream的演繹，用意為何，我是覺得挺難承受的。
Track 4: One Man
充滿空間感的起伏，經過中間一段近乎寧靜的段落，廷伸至最後以cymbals為主的爆裂與廣闊的樂段。明顯聽到合成器的運用，特別在最後「左飛右飛」的聲音確實點綴了歌曲。以crash為主的drum groove及開揚感令我想起上一track〈One Man〉。 然而包覆感仍在，在音量較細的時候，辨識不同的texture與樂器特色即變得有點困難。
Track 5: The Sky Is Full of Petals
兩層鋼琴配以一層重度reverse感覺的聲效頗有趣。Melodic而精簡的主旋律令人聽上得愜意，歌曲發展下去，也出現合成器作為secondary melody，豐富程度剛好。 但由前段開始，歌曲選用了一種聽上去是來自合成器的，不太自然的低音，那一陣一陣漸大又兀然而止的低音，幾乎獨佔了歌曲的低頻部份，甚至蓋過了其他樂器的texture及存在感，此選擇令人有點疑惑。
Track 6: 寂寞島嶼
鋼琴再次出現，但tone上又帶點不同，有電子鋼琴感覺的聲音實在是個不錯的開場，容易引人入勝。及後非常driven的rhytm section，令人有點意想不到之餘也挺痛快，但在full band各種樂器也各分千秋之下，要辨認電子琴聲變得像是大海撈針，縱然你知道它一定在海裡，歌曲中也只能依稀感覺到它的存在。
Track 7: Lay Down and Mosh
平順而又帶有隱性情緒變動的一首歌曲，如果要為全碟七首歌排名次的話，我會把這首歌排在第二位，僅在〈Prequel〉之後。 運用鐵片琴與彈奏長和弦為主的鋼琴，為歌曲加入恰好的空懸感，再來strings聲底的pad聲音、一支ambient電結他，以及逐漸出現的鼓聲，像在慢慢爬上一個微斜的長山坡。 但本曲一個較明顯的問題，是snare的角色不明顯及存在感很低，「要搵佢係邊」。
結語
我想一張好專輯並不一定需要大鑼大鼓，請一隊七十人的管弦樂團來為作品back up。一堆「點子」以及製作過程中隨遇而安的意外，加起來已經是專輯獨有的I.D.。
作為一隊成分豐富，以post rock作旗幟的樂隊，more reverb在首張專輯，即展現了他們運用樂器以及為其他人留下印象上的嘗試。
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